Cinéma

Shokuzai

Drame japonais de Kiyoshi Kurosawa avec Kyôko Koizumi, Hazuki Kimura, Yû Aoi, Sakura Ando, Chizuru Ikewaki

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          Alors qu’elles ne sont que des enfants, quatre amies assistent impuissantes au meurtre d’une de leurs camarades. Aucune d’entre elles ne sera en mesure d’identifier le meurtrier. La mère de la petite fille ne se remet pas de se drame et leur en veut de ne pouvoir venir en aide à la police dans son enquête. Quinze ans après deux d’entre elles veulent à tout prix se souvenir, quand les deux autre préféreraient oublier. 

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          L’histoire est divisée en deux films : Celles qui voulaient se souvenir et Celles qui voulaient oublier. Chacun d’eux est ensuite divisé en deux chapitres, un par jeune fille ayant assisté au drame. J’ai traîné un peu pour aller voir ces deux films, car je voulais absolument les voir l’un après l’autre et rares étaient les cinémas qui en offraient la possibilité en soirée. A tel point que j’ai bien cru l’avoir raté et que c’est en cherchant une tout autre séance que j’ai vu les deux projetés d’affilée un dimanche après-midi : je me suis jetée sur l’occasion. Et quel dommage ç’aurait été de rater ça ! On m’avait dit que les deux films étaient indépendants et pouvaient se voir dans le désordre : pas du tout ! On commence par l’assassinat de la petite fille au début de premier film et on tâtonne dans l’enquête jusqu’à la fin du second, qui évoque les événements décrits dans le premier sans revenir dessus. Sans compter une révélation finale qui se doit d’être à la fin, sinon ça n’aurait aucun sens !

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          Dès les premières images, je suis tombée sous le charme si particulier de ce film. Je dois admettre que je ne sais trop comment le décrire tant il sort des sentiers battus. Je m’attendais à quelque chose de de très sombre et très dur, et si ça l’est par certains cotés, c’est bien plus complexe que ça. Esthétiquement, j’ai beaucoup aimé ce film qui nous n’en fait pas trop et parvient à conserver une certaine pureté dans l’image tout en créant une atmosphère un peu chargée qui colle bien à ce mélange d’innocence et de culpabilité qui façonne l’histoire. Le réalisateur nous offre quelques très jolis plans et sait faire preuve d’une belle originalité, n’hésitant pas à varier les plaisirs dans les prises de vues. Côté bande originale, j’avoue ne pas avoir réellement fait attention, ce qui est le signe de pas de musique, ou très peu, ce que j’apprécie beaucoup dans ce type de film intimistes. Je n’apprécie guère qu’on ne me guide trop sur le type de sentiments à mettre sur telle ou telle scène à grands renforts de violons auxquels je préfère quelques notes plus subtiles posées au bon moment.

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          Le premier film commence par la rencontre des cinq amies, par leurs jeux, et par la mort de la petite Emili. Aucune de ses quatre amies, pourtant présentes au moment du drame, ne sera en mesure d’identifier le coupable. La mère de leur amie leur fera alors promettre de payer un jour cette dette envers elle afin de faire pénitence. On retrouve quinze ans plus tard Sae, une jolie qui ressemble à une poupée, et Maki, une enseignante modèle, qui toutes deux, veulent se souvenir de ce jour funeste. L’histoire de Sae est particulièrement déroutante et a exercé sur moi une certaine fascination qui tranche avec la suivante, plus lumineuse. J’ai été totalement emportée par cet univers qui m’a envoûtée et il m’aurait semblé impensable de ne pas voir immédiatement la suite.

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          Le second film change un peu de tonalité, même si on reste dans la continuité du premier. On suit cette fois Akiko et Yuka, celles qui veulent oublier. Là encore, deux univers totalement différents, la première est très renfermée quand la seconde semble proche de sombrer dans la folie. Enfin, une dernière partie est consacrée à la résolution de l’énigme. Sur ce dernier point, les incohérences et rebondissements plus qu’improbables ne manquent pas. Le moins qu’on puisse dire, c’est que la fin est tirée par les cheveux et qu’elle aurait sans doute gagné à être simplifiée. Mais il fallait bien trouver un défaut à ce film, non ? J’ai aimé cette variété dans les caractères et les réactions des personnages, comme autant de manières de se construire face au même drame. J’ai trouvé cette manière de poser le problème en toile de fond subtile et intéressante. Ce film surprend constamment, en jouant sur plusieurs registres ; plutôt sombre dans l’ensemble, on y trouve aussi des moments d’humour ou de tendresse. Drame et polar à la fois, oppressant et attachant mais non dénué de grâce, un film dont la beauté fascine et qui laisse le spectateur étourdi.

Cinéma

Hijacking

Drame danois de Tobias Lindholm avec Pilou Asbæk, Søren Malling, Dar Salim

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          Le « MV Rosen », un navire danois, est pris d’assaut par des pirates somaliens en plein Océan Indien. Ils prennent en otage l’équipage et demandent une rançon de 15 millions de dollars. Parmi les sept hommes à bord, Mikkel, le cuisinier, va se retrouver au centre des négociations. A terre, c’est Peter, le PDG de la compagnie qui va avoir la lourde charge de ramener ses hommes sains et saufs.

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            La bande-annonce de ce film me tentait bien. J’aime généralement ces sujets difficiles et il me semblait qu’en quelques minutes déjà des tensions intéressantes étaient mises en place, j’avais donc hâte d’en voir un peu plus. Je dois admettre que si sur le fond, ce film a tout a fait répondu a mes attentes, sur la forme, il m’a sans doute laissée plus mitigée. En effet, le réalisateur ne s’attarde pas trop sur les sentiments et la psychologie de ses personnages. Je n’aime pas qu’on sombre dans le larmoyant, pourtant, un minimum d’émotion est bienvenue, un équilibre difficile à trouver, j’en conviens. Ici nous avons affaire à un film froid comme un iceberg, tant par la manière dont est traitée l’histoire que par l’esthétique, par ailleurs intéressante et typique du cinéma nordique. Un cinéma qui me surprend à chaque fois par sa sobriété, quelque soit le type de film à l’écran !

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          Toutefois, si cette distance peut s’avérer surprenante, on ne eut nier la qualité de la réalisation. L’histoire est centrée essentiellement sur le cuisinier du bateau et le meneur des négociations. Ce parti pris permet de ne pas trop perdre le spectateur dans le foule des personnages et de voir une évolution subtile des protagonistes au fil du temps, qui passe plus par la physionomie qui par la parole. Les acteurs sont d’ailleurs excellents et le personnage du cuisinier, remarquablement campé, est le véritable atout sympathie du film. Les pirates sont constamment dans la brutalité et on craint le pire à tout instant. Pourtant, si je m’attendais à une véritable tension, tout à fait palpable dans la bande-annonce, je la trouve un peu diluée dans le film. La violence est très présente on peine à imaginer une issue favorable sans pour autant que le suspens soit constant. Cette mise en scène tout en retenue, loin du mélodrame à la française, peut surprendre ; si cette distance peut s’apparenter à de la froideur, elle permet aussi au spectateur une prise de recul intéressante et qui finalement est peut-être bien la force de ce film autant que sa faiblesse. Une histoire forte, de très bon acteurs, une belle réalisation ; malgré une certaine froideur, un très bon film.

Cinéma

Oh boy

Comédie dramatique allemande de Jan Ole Gerster avec Tom Schilling, Friederike Kempter, Marc Hosemann

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          Niko est un trentenaire berlinois qui se laisse un peu vivre : entretenu par son père, il a arrêté ses études et ne travaille pas. Mais voilà qu’un jour tout déraille, sa copine le quitte et son père lui coupe les vivres. Une journée où tout semble aller de travers et où il rêve d’un bon café pour se réconforter, malheureusement, là aussi, il joue de malchance.

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          Ce film est assez surprenant : filmé en noir et blanc, très esthétique, avec un musique assez entraînante qui contraste avec l’apathie du personnage. J’ai trouvé ça plutôt intéressant. Je craignais un peu cette histoire de café après lequel court Niko mais finalement, c’est fait de manière très subtile : il ne court pas vraiment après un café, seulement, une série de malheureux hasards font qu’il ne parvient pas à en boire un de la journée, comme un fil rouge qui relie les différents moments du film. L’histoire est plutôt axée sur les rencontres (souvent un peu ratées) et le problème du rapport aux autres.

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          A chaque nouvelle rencontre, la communication semble plus difficile et il s’embourbe un peu plus dans l’incompréhension. Malheureusement, chaque fois les scènes sont également un peu plus longues et un peu plus difficiles pour le spectateur. Au fur et à mesure qu’on progresse, le film prend de son sens mais perd en fraîcheur et sur la fin, on attend impatiemment la fin de certaines scènes. Heureusement, il parvient toutefois à s’arrêter à temps : on comprend le message véhiculé par la mise en scène sans sombrer totalement dans l’ennui (ouf, il s’en est fallu de peu). Le film aurait sans doute pu être tout aussi percutant en restant plus léger dans sa forme mais reste toutefois bien maîtrisé. On passe un agréablement moment devant cette histoire racontée de manière originale et pleine de finesse. Malgré quelques lourdeurs, un cinéma intéressant et inventif à la fois. 

Cinéma

Gatsby le Magnifique

Drame autralo-américain de Baz Luhrmann avec Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan

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          En 1922, Nick Carraway, apprenti écrivain, quitte son Middle West natal pour New-York. Il retrouve là-bas sa charmante cousine, Daisy, et Tom, son mari volage. Mais surtout, il va faire la connaissance de son nouveau voisin, Gatsby, un milliardaire aussi séduisant que mystérieux. 

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          J’avais essayé de lire Gatsby le Magnifique il y a quelques années et je dois admettre que j’avais trouvé ce livre d’un ennui mortel, l’abandonnant même à ma grande honte à peine arrivée à la moitié… Je me suis que peut-être le film me permettrait de me rattraper, mettant des images hautes en couleurs et des airs de jazz sur les phrases assommantes qui ne m’évoquaient pas grand chose. Et puis DiCaprio en Gatsby, forcément, c’est vendeur ! J’ai attendu pour le voir qu’il passe en 2D et en VO à côté de chez mi, la 3D ne m’attirant pas du tout. Dès les premières images, j’ai été assez surprise par les couleurs ultra saturées qu’emploie le réalisateur. Certes, on imagine sans peine des myriades de couleur dans ces fêtes (ce qui faisait d’ailleurs partie de mes attentes) mais le gazon limite vert fluo, c’est un peu trop : de la mesure en toutes choses… Mais bon, Baz Luhrmann n’a visiblement que peu de goût pour la nuance.

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           Si le film est assez spectaculaire visuellement (trop même), je l’ai surtout trouvé assez creux. Les acteurs ne sont pas folichons. Leonardo DiCaprio sort un peu du lot et campe un Gatsby assez séduisant et flirtant avec la folie, donnant une dimension intéressante au personnage, même si ce n’est pas son meilleur rôle. J’ai d’ailleurs tendance à penser que quand il joue sur son physique de jeune premier il devient étrangement lisse, perdant en route pas mal de son charme (ou serait-ce juste un problème personnel avec les physiques de papier glacé ?). Quant aux autres, ils sont bien fades et à peu près sans intérêt. Ceci dit, je trouve déjà les personnages terriblement lisses dans le roman… Bien sûr Gatsby, c’est avant tout une critique de cette société superficielle où seules les apparences comptent, mais le film mais sans doute plus l’accent sur le strass, les paillettes et le glamour que sur l’aspect sociologique, un peu vite esquissé. Toutefois, l’ambiance qui se charge peu à peu jusqu’à devenir franchement malsaine est très bien traitée. Un film agréable à regarder et très esthétique, doublé d’une adaptation assez fidèle mais qui manque sans doute un peu de consistance pour convaincre vraiment.

Cinéma

L’écume des jours

Comédie dramatique française de Michel Gondry avec Romain Duris, Audrey Tautou, Omar Sy

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          Quand Colin rencontre Chloé, le coup de foudre est immédiat. Pendant des mois, il vont filer le parfait amour. Colin a beaucoup d’argent, suffisamment pour ne pas avoir à travailler et se consacrer tout entier à leur idylle. Mais un jour Chloé tombe malade, un nénuphar lui mange peu à peu le poumon. Colin va devoir se mettre au travail pour payer le coûteux traitement de sa femme et leur vie va commencer à s’assombrir.

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          J’avais lu l’Écume des jours il y a quelques années. Un roman que j’avais bien aimé, lui trouvant une certaine poésie, sans pour autant vraiment l’adorer, lui trouvant quelques maladresses. Je l’ai lu à 21 ou 22 ans, âge où on est déjà trop terre à terre pour hurler au génie face à la douce folie de Boris Vian, et pas encore assez pour le trouver dénué d’intérêt. Raymond Queneau (auteur et éditeur de génie) disait de ce roman qu’il était « le plus poignant des romans d’amour contemporain ». Sans aller jusque-là, il faut reconnaître que Vian renouvelle le genre et qu’à travers ses excentricités, se dessine un touchant désespoir. Personne n’avait encore osé porter à l’écran ce roman à l’univers totalement déjanté et il fallait bien toute l’inventivité de Michel Gondry pour tenter le coup !

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          J’aime généralement l’univers décalé du réalisateur, souvent construit en carton pâte et plein de trouvailles scénaristiques. J’étais donc assez optimiste sur cette adaptation qui me semblait avoir tout pour plaire. Mon enthousiasme n’a pas fait long feu. A peine les premières images étaient-elles apparues à l’écran que je m’ennuyais déjà ! Ces deux heures de film ont été un vrai supplice ! Je ne sais pas trop comment parler de ce film tant pour moi rien ne marche vraiment dans la mise en scène, la magie n’a tout simplement pas opéré. Pourtant l’adaptation est assez fidèle mais j’ai eu l’impression que l’univers farfelu de Michel Gondry venait se superposer à celui déjà surchargé de Boris Vian et que ça faisait simplement trop. Trop de détails un peu fous dans tous les sens, trop de tout partout, trop de trop. Ca aurait pu être génial mais ça ne marche pas.

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          J’ai trouvé que les acteurs surjouaient constamment et n’étaient pas crédibles une seule seconde. Les minauderies incessantes d’Audrey m’ont exaspérée. Le début veut donner un air d’insouciance qui sonne faux : beaucoup de couleurs, de sourires forcés, d’agitation inutile. Peu à peu, le décor s’assombrit avec la maladie de Chloé, tout comme dans le roman. Le film devient alors oppressant. Étrangement, c’est sans doute encore la partie qui fonctionne le moins mal, arrivant plus ou moins au résultat escompté. Bien que Michel Gondry signe une adaptation fidèle du roman de Boris Vian, j’ai trouvé que le film ne fonctionnait pas vraiment, voulant constamment trop en faire. La magie se retrouve noyée sous la surabondance de gadgets et le jeu outrancier des acteurs. Le résultat est décevant, et d’un terrible ennui.